San Pedro, una recuperacion historica

No fue un domingo de ramos cualquiera. Corría el año 1705, a las 17:00 horas. Tres pasos salían de la iglesia de la merced y paseaban por las calles de Osuna; Jesús Caído, Nuestra Señora de la Soledad y un misterio que recogía la escena de las Negaciones de San Pedro.

Pero, ¿qué pasó con este último? ¿Qué conocemos? Tenemos muy poca documentación. Encontramos la más indiscutible en la titulación de nuestra hermandad “Real Hermandad de Penitencia y Humilde Esclavitud Mercedaria de Nuestro Padre Jesús Caído, Ánimas Benditas del Purgatorio y Cofradía de Nazarenos de las Negaciones y Lágrimas del Señor San Pedro y Nuestra Señora y Madre de los Dolores”, y en las reglas se cita a un paso de misterio que representaba las negaciones y lágrimas del señor san pedro.

El 12 de Marzo de 1964, sucedería un acontecimiento que cambiaría por completo el destino de la hermandad. Comienza a fallar el arco torcal del crucero, lo que produciría el desplome de la bóveda, ocasionando una gran desolación. Este grandilocuente hecho no produjo ninguna victima, pero no fue hasta 1970 cuando se aprobara el proyecto de restauración y consolidación del templo. Una vez reconstruida la Merced quedaría cerrada al culto.

Muchos años por medio, seis en concreto para aprobar el proyecto de restauración, en los que las pérdidas fueron numerosas, debido principalmente al expolio, y entre todo lo perdido se encontraba esta imagen la de San Pedro, su destino desconocido.

Apóstol, Sumo Pontífice y Mártir, Simón Bar Jona, conocido como Pedro, no se cuenta con más detalles sobre su vida que los que recoge el Nuevo Testamento. Era un pescador judío de Galilea, por ello se considera patrón de los pescadores, entre otros oficios.

Fue incorporado al grupo de los apóstoles a principios del ministerio de Jesús en Galilea. Uno de los tres discípulos íntimos que, según la Biblia, fueron testigos de la transfiguración de Jesús. Según el relato bíblico fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado recibiendo de Jesús el apelativo de Pedro (piedra) sobre la cual edificaría su Iglesia

Los evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas avergonzándose de ser seguidor de Jesús. Aún cuando la noche de la última cena, Pedro juró no apartarse de Jesús, al ser interrogado por los soldados romanos que lo habían detenido, negó tres veces conocerlo antes del canto del gallo, es decir, antes de que la noche acabase. Luego de la resurrección, según lo relata Juan, Jesús resucitado se aparece ante los discípulos y dirigiéndose a Pedro le hace reafirmar tres veces su amor por Él.

La tradición católica narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde habría sido obispo, y que allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo Vaticano, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino mandó construir la gran basílica vaticana.
En la ciudad eterna, un arquitecto italiano, Bramante, realizo su primera obra fruto del encargo de los Reyes Católicos, quiénes para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a San Pedro, en el lugar en que se cree fue martirizado. Se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in Montorio o tempietto.

Clemente Romano, en su carta a los corintios, data su muerte en la época de las persecuciones de Nerón. Pedro fue crucificado, pero no quiso que fuera de la misma forma que Jesús, por ello se coloco su cuerpo al revés, con la cabeza donde deberían ir sus pies.
La imagen de San Pedro ha sido una de las más importantes para los cristianos, tanto que los papas de la Iglesia Católica Romana llevan un anillo con la imagen del santo echando las redes al mar, llamado Anillo del Pescador. La representación convencional de Pedro lo presenta ya anciano, portando las llaves, pero desgraciadamente, desconocemos como sería representada esta imagen tan importante de nuestra hermandad, y que por tanto hay que rendirle culto, ya que es parte de nuestra historia.

La musica salvada en españa gracias a ellos: Turina y Falla

Manuel falla y mateu, Cádiz 1876- alta gracia, argentina 1946, es la gran figura del nacionalismo español. Discípulo de pedrell y trago en Madrid, marcho a Francia, al igual que turina, donde frecuento la amistad de albeniz, ravel, dukas y viñes. Su obra postromanticismo y expresionismo, si bien, nunca adopto las técnicas atonales y su música se ha mantenido dentro de la tonalidad. Fue un excelente pianista. Tuvo una estrecha amista con turina. Obras: la vida breve, opera, el retablo de amese pedro, opera de cámara, noches en los jardines de España, para orquesta y piano. El amor brujo y el sombrero de tres picos, ballets, siete canciones populares españolas para canto y piano, concierto para clave y cinco instrumentos. Y su ultima obra de carácter programático, la Atlántida terminada por su discípulo Ernesto halffer. Con falla nuestro país vuelve a tener la presencia internacional que no alcanzaba desde el siglo XVI.
joaquin turina peres, Sevilla 1882- Madrid 1949, hijo del pintor Joaquín turina areal muy amigo de villegas, descubrió el talento musical de su jijo y lo apoyo mas allá de su muerte, para “que pudiera continuar sus estudios todo el tiempo que necesitase”, así lo dejaría escrito en su testamento. Estudio con D. Evaristo torres, maestro de capilla de catedral de Sevilla. En Madrid, recibió clases de pedrell y posteriormente marcho a París, formándose como compositor en la scola cantorum con vicent d´indy, continuador de la escuela de cesar franck. Turina, con su lenguaje sabio, siempre impecable, formado por d´indy en la sólida técnica francesa influida por wagner, estuvo en unas condiciones esplendidas para elevar su “sevillanismo”, al mas alto nivel musical, convirtiéndolo en universal.
Obras: la oración del torero, escrita, primero, para cuarteto de laudes, luego para cuerda y posteriormente, ampliada para orquesta de cuerda por el autor. El genero camerístico debe mucho a turina, que cultivo este genero con gran maestría. En la opera no tuvo éxito, jardín de oriente, laberinto. Dejo una importante obra pianística: danzas fantásticas cinco danzas gitanas, desde mi terraza (suite), para orquesta: sinfonía sevillana, la procesión del rocío, sinfonía del mar, terminada por Manuel castillo. Para canto y orquesta: canto a Sevilla y para canto y piano: cantares, obra muy difundida en numerosas grabaciones por todos lo grandes cantantes. Se le concedió la gran cruz de Alfonso X el sabio.
Fue académico de número de la real academia de bellas artes de san Fernando y académico de santa Isabel de Hungría de Sevilla. Compositor de música para cine, tema para el que tiene algunos escritos siempre interesantes. Músico de elegancia y precisa pluma, fue critico musical en varios diarios de su época: el debate y dígame (semanario) principalmente. Como teórico: enciclopedia abreviada de la música y un tratado de composición musical.

Coca-Cola, un mundo negro...

John Stich Pemberton, un respetado farmacéutico, nacido en Atlanta fue el inventor de la Coca-Cola, empezó a trabajar en la fórmula a los 54 años de edad, basándose en el éxito del famoso Vino Mariani, una bebida alcohólica revigorizante a base de vino y hojas de coca maceradas, formulada en 1863 por el químico italiano Angelo Mariani.

John, nacido en 8 de julio de 1831 y fallecido el 16 de agosto de 1888, fue hijo de James Clifford Pemberton y Martha L. Worsham Gent. La familia se movió a Roma y luego a Georgia, y John acudió a la Escuela de Medicina Macon, recibiendo su grado en Farmacia a los 19 años. Rechazó medallas médicas popularizadas por Benjamín Rush, al que intentó salvar de su enfermedad mediante la flebotabia.

Era un hombre de gran creatividad, al igual que otros farmacéuticos y creó sus propias recetas secretas para curar a unos clientes enfermos. Después de innumerables intentos, en 1880 crea un jarabe color caramelo que al mezclarse con agua y hielo, adquiría un sabor único. Así debutó “el Vino Coca Pemberton”, una bebida exclusiva de la fuente de soda de la farmacia Jacobs.

Sólo tres personas en el mundo saben cuál es la fórmula exacta de la bebida, los dos componentes básicos de la bebida son notorios: el extracto de la nuez del árbol llamado cola, y el té que se obtiene de las hojas de la coca. De ahí su nombre: Coca-Cola. El sabor se complementa con otras sustancias vegetales, un poco de cafeína y azúcares. Como la bebida era también medicinal, el jarabe contenía una cantidad insignificante de cocaína (alrededor de una parte en 50 millones).

En la Segunda Guerra Mundial, en el juicio de Nuremberg, en Alemania, la botella en forma de maní truncado era el símbolo de la intocable felicidad norteamericana. El imperio está más próspero que nunca, como afirmó Bill Clinton, pero aquí y allá aparecen fisuras, grietas de agua y agujas de hielo que caen sobre la gente y la hacen llorar.

Creada por un empresario de origen tunecino, la Mecca Cola se ha convertido en la bebida contra Coca-Cola y el imperialismo de EEUU. Su creador, Tawfik Mathlouthi, que ya ha vendido 16 millones de botellas, anuncia en crónica más boicot anti yanqui con locales Mecca Burger y Hallal Fried Chicken. Y así, con el tiempo, nació Mecca Cola, una bebida ya hoy cargada de futuro. Desde que la primera botella llegó al mercado parisino -en noviembre de 2002, con el provocador eslogan en su etiqueta de «No bebas a lo tonto, bebe comprometido»-, la creación del astuto empresario francés de origen tunecino no ha parado de cruzar fronteras. Pese a no contar con embotelladora propia, Tawfik Mathlouthi ha logrado vender en estos pocos meses más de 16 millones de botellas, y espera cerrar el 2003 con 500 millones de unidades vendidas. La insurrección desbordó enseguida los suburbios parisinos poblados en su mayoría por inmigrantes árabes y empezó a alcanzar ciudades y países que demandaban la nueva bebida: Lyon, Lille, Marsella, Estrasburgo, Marruecos, Alemania, Bélgica, Suiza...

Mecca Cola se ha convertido en la bebida musulmana contra el imperialismo estadounidense y sus símbolos (léase, claro está, Coca-Cola). Desde su mismo nacimiento, el refresco llevaba en sus etiquetas toda una declaración de intenciones: un 10% de los ingresos irá destinado a los niños palestinos y otro tanto a obras de caridad en Europa. Pero sus objetivos no se agotan en la causa Palestina.

En el aspecto histórico, llegamos a la conclusión, del cambio se ha experimentado tanto en la composición de la bebida, como en el material usado para embotellarla, que ha llegado a ser icono del diseño para otras marcas y bebidas.
Su implicación en hechos históricos importantes ha sido crucial, desarrollando un gran papel, que ha dejado marcado el nombre de Coca-Cola en la historia.

Capilla de los marineros de Triana, precedida por el retablo de nuestra señora de la merced.

El 12 de Marzo de 1964, sucedería un acontecimiento que cambiaría por completo el destino de la hermandad. Comienza a fallar el arco torcal del crucero, lo que produciría el desplome de la bóveda, ocasionando una gran desolación. Este grandilocuente hecho no produjo ninguna victima, pero no fue hasta 1970 cuando se aprobara el proyecto de restauración y consolidación del templo. Una vez reconstruida la Merced quedaría cerrada al culto.

Muchos años por medio, seis en concreto para aprobar el proyecto de restauración, en los que las pérdidas fueron numerosas, debido principalmente al expolio.
Durante este periodo transitorio de espera, el retablo mayor del templo, donde se encontraba Nuestra Señora de la Merced, paso a preceder a Nuestra Señora De la Esperanza de Triana.

El retablo pasaría a ocupar la capilla de los marineros, en la calle pureza. Creando un gran vacío en el convento de la merced de Osuna, donde aún se conservan los retablos de las dos imágenes procesionales de la hermandad, Jesús Caído y Nuestra Señora de los Dolores.

La capilla de los marineros, es un templo de una sola nave cubierto por artesonado de madera. En un retablo lateral recibe culto el Santísimo Cristo de las Tres Caídas,
Obra anónima sobre 1600 muy intervenida posteriormente y en la parte central del templo se encuentra el antiguo retablo de Osuna, compuesto por dos cuerpos y tres calles separadas por estípites y con tema de hojarasca del segundo tercio del siglo XVIII. En la calle central se halla un camarín con Nuestra Señora la Virgen de la Esperanza, obra barroca restaurada 1892 por Astorga hijo, Gumersindo Jiménez Astorga, estando ubicada la hermandad en la iglesia de San Jacinto se produjo un incendio devastador en el altar de la imagen cuya rápida extinción no impidió que causara gravísimos daños en la misma, y en 1927 sería restaurada de nuevo por Lastrucci.
En estos momentos se realizan obras de ampliación en la Capilla, precisamente para ubicar un nuevo retablo para el Señor. Pero el retablo de Nuestra Señora de la Merced continuará en la capilla de la calle Pureza, y siempre será recordado y añorado por la hermandad, al igual que la vuelta y salida el jueves santo desde la Merced, ya que no hay más maravillosa estampa que Jesús Caído y Nuestra Señora de los Dolores por la plaza de la Merced.

El indo portugués

En 1486 Bartolomé Díaz emprendió la expedición que logro culminar con éxito el proyecto que iniciara Enrique el Navegante al doblar el cabo de Buena Esperanza lo que daba pie a una conexión marítima entre Europa y la India. La expedición también sirvió para reconocer gran parte de la costa occidental de África, sin embargo, los conocimientos que se tenían sobre Oriente eran muy difusos y llenos de historias fantásticas.

Era necesario el conocimiento del mercado oriental de las especias y un contacto directo con los países de origen por lo que con cuidado y en secreto preparo una expedición nueva donde participaron dos hombres de confianza para el rey como eran Alfonso de Paiva y Pêro da Couilhâ que emprendieron su camino vía Valencia, Barcelona, Nápoles, Rodas, Alejandría,, El Cairo y el golfo de Adén, pasando por comerciantes de miel para pasar desapercibidos frente a los comerciantes árabes y venecianos, pero a partir de ahí se separaron siguiendo caminos distintos, Alfonso De Paiva siguió camino a Etiopia, aunque fracasó en su intento y falleció en el viaje, y Pêro da Covilhâ tuvo mas suerte y después fue a Etiopia donde falleció. Aunque ninguno de los dos exploradores volvió las informaciones suministradas por Covilhâ a Juan II sirvieron de base para preparar la expedición posterior vía marítima, aun así, el plan de viaje tenia que asegurar la ruta y para ello era necesario instalar factorías y construir fortalezas a lo largo de todo el camino.

Pero no seria durante el reinado de Juan II que tenia oposición de la corte cuando se iniciara la expedición sino durante el de su sucesor Manuel I quien veía oportunidad de dominar el comercio con Oriente. Sin embargo, durante el viaje asaltaron otros navíos para capturar a la tripulación que mas tarde podía ser intercambiado o se empleaban para los trabajos más duros y peligrosos.

Por ello, el sultán de Mozambique proporciono un piloto para guiar la expedición por las costras orientales de África pero era una trampa ya que tenía como objetivo entregar las naves a los gobernantes árabes de Mombasa; pero se descubrió por casualidad la emboscada y Vasco de Gama continuo hasta Mal hindi.

La llegada a la India se produjo en el reinando de Manuel I, en 1497 estando la armada dirigida por Vasco da Gama.

En 1498 Vasco da Gama llega a Calicut y se establecía así el descubrimiento de la ruta marítima hasta la India. Pero la entrada a Calicut tuvo problemas sobre todo, con la oposición de los mercaderes árabes que deseaban mantener a los europeos apartados del mercado de las especias y mantener su monopolio en la India, en todo esto, Vasco de Gama esperaba haber encontrado a los cristianos que habitaban en la India y que se suponía eran muy numerosos y fueron evangelizados, según la tradición cristiana por Santo Tomás.

En 1499, entro la carabela Berrio en el estuario del río Tajo, comandada por Nicolás Coelho con la noticia esperada y que emociono a toda Lisboa de que los portugueses habían llegado a la India por mar.

Sin embargo, Vasco de Gama se quedo en la Isla Terceira, en las Azores, para quedarse, y por ello renuncio a los festejos de las noticias.Mas tarde llego a Portugal siendo recibido por el rey Manuel I otorgándole el título de almirante mayor de las Indias y del océano indico.

Este descubrimiento tuvo consecuencias que fueron vitales para la época por que mostraba una ruta para el comercio de las especias y otros productos de Oriente. El descubrimiento y posterior comercio regular con la India, junto con el descubrimiento de América, provoco una revolución económica que beneficio en Lisboa en un centro de comercio de primer orden y en el principal mercado de las especias, además de trasladar el centro de poder del mediterráneo al atlántico, lo que trajo la decadencia de las ciudades comerciales italianas y el abandono de Egipto como paso de las mercancías que llegaban a Europa.

El control de la ruta permitió a Portugal el establecimiento de numerosas puestos comerciales, factorías y fortalezas a lo largo del recorrido y territorios orientales y también africanos, y le permitió ampliar su imperio de forma considerable.

Pero también pudo controla el comercio además de con la India, también con el sudeste asiático, China y Japón.

La expansión portuguesa constituyo una empresa de estado, organizada y financiada por la corona, un conjunto de expediciones navales logro en el siglo XV concluir el periplo del continente africano y llego a la India en 1498.

La mujer en la historia del arte

En el siglo XV en Italia va a ocurrir un cambio muy importante, se comienza a reivindicar que la pintura, la escultura y la arquitectura fuesen consideradas artes liberales por su intensa actividad intelectual, alejándola del sistema gremial.
La formación de los artistas requería conocimientos de Geometría, Física, Aritmética y Anatomía, disciplinas que no eran contenidas en la formación de las mujeres.
Debido a estos cambios, aparecerán las academias siglos mas tardes, a pesar de ello, la discriminación hacia la mujer continuará, siendo excluidas de las academias. Tampoco podrán realizar largos viajes para completar su formación artística porque debían viajar con algún familiar, otro motivo que las diferenciará.
En estos momentos, la mujer tenía una absoluta dependencia del hombre, la conocida “concordatio” renacentista que mantenía la sumisión de la mujer con respeto al hombre y solo podían acceder a la formación de la profesión mediante un padre artista, un marido artista o un protector, siendo discípula pero nunca maestra, ya que no logran los elevados niveles técnicos conformes de un maestro.
Un claro ejemplo de este hecho serían las artistas como Elisabetha Sirani, Propercia de Rossi, Artemisa Gentileschi o Luisa Roldán, a las que rodean una serie de hechos que le facilita el acercamiento a la profesión, como es el momento histórico que viven, la prosperidad de sus familias, muchas de ellas perteneciendo a burguesía adinerada o a nobleza, y el hecho más importante que es el haber nacido en una familia de artistas.
Como afirma Whitney Chadwick en su obra “Mujer, arte y sociedad”, la repercusión en la historiografía artística es asociada por el apellido a un autor masculino que se le supone pariente.

Unos siglos más tardíos, el siglo XVIII, durante la Ilustración la mujer consigue alcanzar la profesión de la enseñanza, educación y formación de las jóvenes de familias adineradas, el estudio de dibujo, pintura y música. Aparecerán las academias anteriormente citadas, donde el acceso era controlado sobre todo a mujeres, y las que tenían el privilegio de formar parte de ella, se le prohibía la asistencia a las clases de desnudo.

La mujer va adquiriendo derechos sociales, a lo largo de la historia, hasta fundar asociaciones de mujeres artistas para defender los intereses de las mujeres organizando exposiciones y combatiendo contra la discriminación de los organismos oficiales.

En el siglo XX las mujeres se aproximarán al mundo de las vanguardias artísticas. Ya pueden participar en exposiciones y concursos y realizar copias de desnudos del natural, pero los prejuicios continúan en la sociedad. Se emprenden estudios sobre artistas que en su tiempo habían gozado de gran éxito, algunas de sus obras eran a veces atribuidas a sus padre también artistas, como en el caso de Luisa Roldán.

En la página Web http://www.rebelion.org/mujer/031223lorena.htm, encontramos una crítica firmada por Lorena L. en un artículo que recibe el título de “Arte y Mujer” y dice:

Sólo el 25% de las artistas logran participar de muestras grupales e individuales, cuando las mujeres somos la mitad del total de los/las estudiantes de arte. De cada 10 artículos escritos por críticos de arte sólo 1 trata de alguna artista.

Con esta declaración, logramos comprender que la situación del artista actualmente, a pesar de los numerosos y grandes cambios en la historia continúa siendo discriminadas, la sociedad seguirá con sus prejuicios.
Como declara Lorena L. Se invierte mucho menos en artistas mujeres que en artistas varones. Las obras realizadas por mujeres alcanzan menores precios que las realizadas por hombres. De este modo, la calidad de las obras de las artistas se consideran menor que la de los hombres. Como indica Teresa Sauret en su obra “Historia del arte y mujeres” nuestro lenguaje ha tendido a catalogar el arte producido por mujeres como de inferior calidad que el hecho por hombres.

Otra aserción que podemos destacar de este artículo que encontramos en la Web es el siguiente El hombre como artista- sujeto y propietario del cuerpo de la mujer que no es más que una representación del imaginario masculino, recrea a la mujer y la convierte en objeto cultural. Esta afirmación nos recuerda a la protesta que ocurrió en el museo Metropolitan de Nueva York por parte de un grupo de mujeres llamadas Guerrilla Girls, en 1989, con el lema Do women have to be naked to get into the Met.Museum?, con el que querían reivindicar, como hasta hoy, se continua desterrando a la mujer del “Gran Arte”.

Unos años importantes de cambio serán los años 60 y 70, donde la mujer con el feminismo consigue una fuerza insólita, defendiendo la mejora en las condiciones sociales de la mujer. La mujer ha sufrido históricamente una fuerte exclusión de la mayoría de los ámbitos de poder, regentados por hombres y el arte no ha sido una excepción.

Una de las ventajas para conocer la situación de la mujer a lo largo de la historia y su apreciación es el uso de los textos, y la investigación, como indica Teresa Sauret los textos históricos necesitan una constante relectura si intentamos comprende mejor la problemática de la feminidad. Ya que los textos son las fuentes donde podemos encontrar la mayoría de la información.
Vasari nos ofrecerá una importante información, en la que se muestra siempre a favor de la mujer. Boccacio también afirma, como muestra Teresa Sauret en su libro “la historia del arte y la mujer artista”, opino que sus proezas eran dignas de alabanza por que el arte es ajeno a la mente de la mujer, y tales logros no pueden llevarse a cabo sin una gran dosis de talento. De esta manera, Boccacio nos informa del interés de algunas mujeres por el arte, a pesar de sus limitaciones, ya que se encontraban alejadas de los círculos intelectuales que dominaban en las artes. Pero se han olvidado documentos que desde la antigüedad hacían referencia a estas mujeres.
Se conserva una gran colección, muy importante de cartas de Frida cuando estaba en Washington. Donde se descubren vivencias y pensamientos de Frida, fuente importante para conocer el valor que tenía en aquella época la mujer, y como se sentía ella como artista, en el mundo que rodeó a los artistas durante su estancia en EE.UU.

Buscando en la Red,(http://www.ua.es/es/servicios/comunicacion/notas/05022202.html) encontramos una exposición en Alicante inaugurada el 25 de febrero de 2005, donde nos informa el objeto de la exposición La mujer con capacidad creativa y como objeto de representación en la Historia del Arte, los derechos de la mujer y el Arte. De esta manera, comprobamos que los fetiches continúan, y que la mujer busca unos derechos que parecen que todavía no le han otorgado del todo.
Intentan una reclamación a aquellas mujeres dejadas de lado por la Historia que participaron en la construcción de un arte que se ha considerado de menor interés y valor. Siendo la mujer una simple sombra que no tenía ninguna valoración social ni cultural.

La Fundación Joan Miró presento la exposición "La mujer, metamorfosis de la modernidad” en el 2004, reunía más de cien obras entre los años veinte y setenta. Todas ellas tienen a la mujer como protagonista. (http://www.el-universal.com.mx/cultura/53210.html). Lo interesante de la exposición era la posibilidad de comparar lo que unos y otros han elaborado. Los artistas masculinos, aquellos que veían a la mujer como inspiración.

En definitiva, antiguamente no se conocían muchas pintoras, ahora muy pocas también, y escultoras tampoco. Pintar solamente lo asumían los hombres, como si estuviera mal visto que la mujeres lo hicieran. Hay una tendencia a valorar una perspectiva desigual en la creatividad femenina y la masculina. Pero actualmente, las diferencias siguen existiendo ya que la mujer que no tiene una posición económica próspera, tiene limitaciones económicas, no puede dedicarse a esta profesión, aunque ahora disfruta de mayor libertad.

BIBLIOGRAFÍA
· Chadwick, Whitney. Mujer, arte y sociedad. Barcelona. 1999.
· Sauret, Teresa. Historia del arte y mujeres. Málaga. Universidad de Málaga. 1996.
· La mujer en la cultura actual: artes plásticas, literatura, música: [exposición]: Palacio de Fuensalida, Toledo. Comisaría Nacional de Museos y Exposiciones. 1975.
· http://www.rebelion.org/
· http://www.ua.es/es/servicios/comunicacion/notas/05022202.html
· http://www.el-universal.com.mx/cultura/53210.html

Muere Fernando Fernán Gómez

El fallecimiento se produjo a las 18.00 horas, tras sufrir una insuficiencia cardiorrespiratoria. La capilla ardiente con sus restos mortales se instalará el jueves a partir de las 11.30 horas en el Teatro Español, en la plaza de Santa Ana de Madrid. Un día después, será incinerado en el cementerio de La Almudena.
Hasta la biografía más escueta y austera del hombre que llegó a definirse alguna vez como ‘un tímido con mal carácter’ podría ocupar un par de voluminosos tomos si es que pretende ser rigurosa e incluir las múltiples facetas de una trayectoria de excepción.
Fernán-Gómez nació el 28 de agosto de 1921 en Lima, durante una gira que su madre, la actriz Carola Fernández Gómez, realizaba por Latinoamérica, fue inscrito en el consulado de Buenos Aires, nacionalidad que conservó hasta 1984, en que se nacionalizó español.
Protagonista de casi 200 películas y director de más de una veintena, en su filmografía figuran títulos como 'El inquilino', 'El espíritu de la colmena', 'Mamá cumple cien años', ¿La lengua de las mariposas’ o ‘El abuelo’. Su brillante carrera cinematográfica pasó por distintas etapas. Primero, entre las décadas del 40 y el 70, sobresalió como actor y director en innumerables títulos dramáticos, históricos o de comedia, entre los que siempre rescató ‘Botón de ancla’ y ‘El balarrasa’
Su faceta como literato, de la que forman parte obras como 'El viaje a ninguna parte' o 'Las bicicletas son para el verano', le valió el sillón 'B' de la Real Academia de la Lengua (RAE), institución en la que entró el 30 de enero de 2000.
Llevó al cine los dos títulos más difundidos de su obra literaria, que incluyó dos tomos autobiográficos, poesías, novelas y obras de teatro: ‘Las bicicletas son para el verano’, dirigida por Jaime Chávarri, y ‘El viaje a ninguna parte’, en el que tal vez muestra el personaje más rico de todos los que llegó a interpretar con toques autobiográficos.
Recibió casi todos los premios que un actor puede obtener, entre los que destacan el premio Príncipe de Asturias de las Artes, los Premios Nacionales de Cine y Teatro, la Medalla de Oro de la Academia de Cine y seis Goyas.
Estaba casado con la también actriz Emma Cohen, con quien contrajo matrimonio poco después de su ingreso en la RAE, después de muchos años de relación. Tenía dos hijos, fruto de su anterior unión con la cantante María Dolores Pradera.

HOMINES.COM [22/11/2007]

Centenario de la fundación del Laboratorio de Arte

En el año 2007 se cumple el Centenario de la fundación del Laboratorio de Arte de la Universidad de Sevilla, creado en 1907 por iniciativa del Catedrático de Teoría de la Literatura y de las Artes, don Francisco Murillo Herrera (1878 - 1951).

Desde su creación, el Laboratorio de Arte se convirtió en el foco universitario español más innovador en el desarrollo de metodologías investigadoras y docentes que enlazaban con las tendencias europeas más avanzadas, las cuales a, través de su influencia, llegarían posteriormente a otros centros universitarios españoles e hispanoamericanos.
Las pioneras propuestas investigadoras desarrolladas en el Laboratorio de Arte, su capacidad de anticipación ante el devenir de la enseñanza universitaria y la transcendencia de sus iniciativas en el marco universitario español e hispanoamericano justifican y demandan la celebración de su Centenario a través del presente Congreso Conmemorativo del I Centenario del Laboratorio de Arte.
El programa del Congreso se desarrollará en cinco días, estructurados en seis jornadas de mañana y de tarde, a partir de ponencias-marco y mesas temáticas de comunicaciones que quedan encuadradas en cuatro secciones o áreas temáticas: Sección dedicada a la figura de D. Francisco Murillo Herrera y el desarrollo de los Departamentos de Historia del Arte en España; Sección de Inventarios y Catálogos: Un Siglo de documentación y conocimiento del Patrimonio Cultural; Sección de Arte Hispanoamericano: Un Siglo de estudios sobre Arte Hispanoamericano y Sección de Estudios sobre Arte Español: Un Siglo de estudios sobre Arte Español: Arquitectura; Artes Plásticas y Ornamentales.

Festival de Cine Iberoamericano de Huelva

Saura abre el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva con 'Fados'
quot;Fados', el último largometraje de Carlos Saura, abre esta noche el 33 Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, una obra en la que el cineasta ha destacado hoy que muestra 'un espectro amplio de la música portuguesa actual, desde el fado tradicional y ortodoxo al actual, con un ritmo más moderno'.
Saura abre el festival de cine iberoamericano de
Con 'Fados', que se proyectará a las 20.00 horas en una gala de apertura que también homenajeará a la fallecida actriz Emma Penella, en el Palacio de Congresos de la Casa Colón, el Iberoamericano mira a la vecina Portugal, un país estrechamente vinculado al certamen desde sus inicios y que mostrará en esta edición lo más reciente de su cinematografía.Un total de doce películas compiten por el Colón de Oro en la 33 edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, en el que la película de Carlos Saura se proyecta fuera de concurso.En su regreso a Huelva, donde recibió en su día el premio 'Ciudad de Huelva', el máximo galardón del certamen, Saura ha presentado hoy su última obra, de la que ha dicho que es 'el resultado de varios años de trabajo, y de muchos viajes a Portugal y a Madrid y Lisboa escuchando fados'.'La consecuencia de todo ese trabajo se ve ahora tras hablar con expertos y escuchar a lo artistas', según el director aragonés, en una cinta que 'no tiene argumento, a diferencia de 'Bodas de sangre' o 'El amor brujo'', y más 'al estilo de 'Sevillanas''.Carlos Saura completa con 'Fados' la serie de la canción urbana moderna que inició en 1992 con 'Sevillanas' y que luego continuó con 'Flamenco' (1995) y 'Tango, no me dejes nunca' (1998).Se trata del noveno musical producido por el cineasta, que ha afirmado que su nueva película es 'un compendio de experiencias anteriores con otros musicales'.Su productor, Antonio Saura hijo, ha señalado que la cinta ha nacido 'tras una propuesta del productor portugués Ivan Días, que parecía una locura, porque era plantear si la música de fados podía tener repercusión, y vimos que no sólo podía tenerla, sino que estamos -ha subrayado- ante una de las músicas de mayor crecimiento del mundo'.También se ha mostrado orgulloso de 'haber contribuido al desarrollo del fado' y ha afirmado que la película 'genera un enorme orgullo en toda la gente que la ha visto', y puso como ejemplo su estreno en Toronto y la reacción de 'orgullo' del hijo de unos inmigrantes portugueses en Canadá que la acababa de ver.Saura hijo ha añadido que le 'gusta estar en el cine musical sin narración, que prácticamente ha inventado mi padre', ha recalcaldo, y 'que pasa cuando las cosas pasan por sí mismo, sin ser forzadas'.El productor Ivan Días ha destacado la importancia de que la cinta se presente en el ámbito nacional en España en el Festival de Huelva, 'a 50 kilómetros de la frontera con Portugal', y ha indicado que eligió a Saura como director 'porque es el mejor', y que si le hubieran dicho que 'el mejor era vietnamita, lo habría elegido'.En la película, Carlos Saura profundiza en su aproximación al musical, reflejando el nacimiento de este estilo -que comparte las raíces del fandango- con la participación de voces como las de Caetano Veloso, Camané y Mariza.En la sección oficial del festival, según la organización, se incluye una selección que supone un completo panorama de la producción que actualmente se realiza en Iberoamérica.Las películas que se presentan este año al Festival Iberoamericano abarcan una amplia variedad de estilos y de temáticas, con obras de corte más comercial junto a cine de autor.Seis de los doce largometrajes que optan al Colón de Oro son óperas primas: 'La León', 'Nâo por acaso', 'El brindis', 'Satanás', 'Maldeamores' y 'El baño del Papa', mientras que la otra mitad son obras de directores consagrados o que ya tienen otras películas.
Terra Actualidad - EFE

2007 El año del barroco andaluz

Será durante el siglo XVII y XVIII cuando se produzca la época del barroco. Una serie de acontecimientos economicos, políticos y sociales producirán la apertura de esta nueva etapa, donde el arte tendra una importancia estelar, cerrando de esta forma la época renancentista, en la que se buscaba un renacer de los modelos clásicos.

La influencia del papa, las nuevas tendencias reformistas, el descubrimiento de América, se traducirán en la época barroca.

Nuestras manifestaciones barrocas fueron permeables de otros paises europeos, gracias al comercio mercantil que produjo una gran comunicación de países.Especialmente con países bajos, e Italia entre ellos Génova e Italia, es el objetivo de la exposición."La Imagen Reflejada. Andalucía, espejo de Europa". En la catedral vieja de Cádiz.

En Málaga podemos disfrutar de la exposición "Fiesta y simulacro"El importante papel de los aspectos religiosos, artísticos, antropológicos, ceremoniales y lúdicos de las fiestas y su pervivencia en nuestra cultura actual se mostrarán del 19 de septiembre al 30 de diciembre 2007.

Según la consejera de Cultura, Andalucía Barroca contribuirá a enriquecer, aún más si cabe, la atractiva oferta turística de la comunidad autónoma. Además, los itinerarios culturales se centrarán en las obras barrocas de las ciudades medias y pueblos de Andalucía y que hasta ahora no han sido suficientemente valoradas ni difundidas

Próxima exposición del cuadro de Santa Rufina

La Fundación Focus-Abengoa, con sede en Sevilla, ha pagado 12,4 millones de euros por el cuadro atribuido a Velázquez Santa Rufina.
La obra salió a la venta en 9 millones de euros y hubo más de un interesado en el lienzo. Finalmente, la entidad hispalense logró hacerse con una de las últimas pinturas de Velázquez que quedan en manos privadas.
Este cuadro ha despertado un gran interés en la ciudad natal del pintor, que llegó a organizar a través de la Asociación Velázquez por Sevilla una cuestación popular que ha recaudado unos 20.000 euros hasta el momento.
El destino de la obra del artista sevillano será la sede Focus, en el Hospital de los Venerables, donde se creará una sala de interpretación de Velázquez junto con la obra Imposición de la casulla a San Ildefonso, propiedad del consistorio de la ciudad. El acuerdo entre el Ayuntamiento hispalense y la Fundación tendrá una duración de 75 años.
El resto de Administraciones no se han interesado por Santa Rufina. El Ministerio de Cultura descartó pujar por ella al "no poder improvisar" 9 millones de euros, y la Junta de Andalucía no ha querido aclarar en todo este tiempo si concurriría a la subasta o no, limitándose a señalar que en estos asuntos es mejor no hacer comentarios públicos al respecto, a fin de que no se disparen los precios.

Monasterio de la Encarnación

El Monasterio de la Encarnación fue fundado en 1626 por la cuarta duquesa de Osuna.El Convento-museo comparte con la Colegiata de la Asunción un lugar privilegiado en la acrópolis que corona Osuna, y fue construido un siglo después que ésta para albergar a una congregación de monjas mercedarias. ...

De extraodrinaria belleza son los zocalos de azulejos sevillanos del siglo XVIII que adornan su alegre patio, y la escalera, en ellos podemos admirar la representacion de los cinco sentidos, y en uno de ellos podemos encontrar la alameda de Hercules de Sevilla.Estos azulejos forman una colección absolutamente única de la cerámica sevillana, tanto por la calidad técnica con que han sido ejecutados como por la variedad y originalidad de la temática que abarcan. Es posible admirar en ellos animadas composiciones de la vida cotidiana en el convento, escenas de tauromaquia y de montería, vistas de calles y plazas sevillanas.

En su interior podemos encontrar pinturas del siglo XVII, de Francisco Meneses de la escuela de Alonso Cano.

La antigua universidad de Osuna

La petición partió de don Juan Téllez Girón, IV conde de Ureña y padre del primer duque de Osuna, que pretendía fundar en la capital de sus estados un Colegio Mayor y una Universidad siguiendo el modelo de Alcalá de Henares, en el que los estudiantes pudiesen obtener grados que tuviesen la misma validez que los de "Bolonia, Salamanca, Alcalá de Henares y otros estudios generales suelen conceder, con los mismos honores y prerrogativas de ellos". No llegó la universidad a tener el reconocimiento real, tan sólo el pontificio. En su testamento, el fundador encarecía a su hijo, futuro I Duque de Osuna, a que la obtuviera, pero no hay prueba alguna de que se consiguiera; ello se echa de ver cuando con motivo de un pleito en el Consejo de Castilla se pide la documentación. Sin embargo, aún puede verse a la entrada del edificio, en el muro izquierdo, una enorme y lujosa inscripcion que lo proclama. Igual ocurrió con otras universidades menores como la de Almagro; la misma de Sevilla, fundada por el arcediano Fernández de Santaella en 1505, no tuvo dicho reconocimiento hasta 1551 por cesión del ayuntamiento.

Tuvieron sede en ella quince cátedras mayores en la Universidad y ocho menores en el Colegio, agrupadas en torno a las facultades de Teología, Derecho (Cánones y Leyes), Medicina y Artes. Fue la de Teología "la más atendida" desde su fundación y la más concurrida. No olvidemos que su objetivo, como la de Alcalá de Cisneros, es formar "los mandos de una Iglesia más digna de Cristo".Francisco Maldonado fué su primer rector (1549-1553) y Diego Ramirez el último (1821). En su mismo edificio, debidamente reformado y adaptado a las necesidades de una enseñanza superior moderna, alberga desde 1995 los servicios comunes y los aularios del área jurídico-económica de la Escuela Universitaria de Osuna.

Sí a la historia del Arte

Tras la encuesta, se ha podido ver que frente a dos votos que afirman que la posibilidad de haber quitado la carrera de historia del arte no hubiera sido mala, 70 han votado por que siga existiendo esta carrera, y no se quite nunca, por que si se olvida la historia, se esta obligado a repetirla, y como podemos olvidar nuestro pasado, y como dejar de estudiar las obras de artes, que ha sido mayor fuente de informacion a lo largo de la historia.
Pregunto a los que han votado que no (2), ¿debemos de quemar todos los cuadros, iglesias, cristos, virgenes, y demas obras artisticas? Por que si se eliminara la carrera de historia del arte, esto se perderia, por que nadie los trataria, no se sabria restaurar, por que los estudiantes de bellas artes, conocen los medios de restauración gracias a los historiadores de arte, y entonces uno de los medios para que un pueblo gane dinero, y sea visitado es el turismo, carrera que surgio de la historia del arte.
Tambien se piensa que es una carrera sin salidas, y es que es una carrera que ha estado colapsa muchos años, como ocurre ahora con carreras como derecho, o telecomunicaciones.
El mercado es muy amplio, pero si no hay dinero no se necesitan historiadores del arte.
Las salidas son amplias gestor cultural, conservación del patrimonio, divulgación, crítica, profesores...
Asi que, creo que todas las carreras son importantes y no hay que despreciar a ninguna.

La colegiata de Osuna

La mayoría de las ciudades tienen un elemento representativo, Écija sus torres, Morón el gallo, Jeréz su vino, de Osuna podríamos destacar la Colegiata.

Fundada en el año 1535 por D. Juan Téllez Girón, IV Conde de Ureña, es uno de los conjuntos monumentales más magníficos del Arte Andaluz.

El exterior del templo se caracteriza por su severidad, construida con sillares, extraido de las canteras de Osuna, mismo material que se usa en la plaza de toros.

Su torre inacabada, perdió su remate debido a un rayo, y desde entonces, no se ha intentando restaurar, quedándo rematada por el campanario.

Las cubiertas, siempre han sido un problema, en la primera construcción se usaron planchas de plomos, después se sustituyo por tejas, para evitar el peso.En el interior las bóvedas son de pañuelos.

El acceso era por cinco puertas, pero dos de ellas se encuentran cerradas desde el siglo XVIII.La más conocida de ellas, la puerta del Sol, que comunica con la puerta de la Epístola.

En el interior, se encuentran los grandes lienzos del Españoleto, Ribera, el cual pintó para el duque de Osuna. Son: San Jerónimo y el ángel del Juicio, el martirio de San Sebastian, y de San Bartolomé, realizados en el siglo XVII, barroco.

Hace pocos años, fué restaurado, uno de los mejores patios platerescos, de España, que se accede tanto por el exterior, como por el pequeño coro que se encuentra bajo el retablo mayor, por donde tambien se accede al sepulcro de los Duques.

La iglesia está formada por tres naves y nueve capillas, los cuales contienen obras importantes, retablos, lienzos y esculturas.

No es una catedral, es una colegiata dedicada a Asunción, pero es la joya del pueblo.(Aunque ya hablaré de otras obras menos citada, y bastante valiosas)

Écija

Victoria de Samocracia, Louvre.

La música, una de las artes que producen más sentimientos

La música, considerada de manera más tardía, no tanto como el cine, como Arte, es de las artes las que más ha calado en el pueblo, pero, ¿todo lo que escuchamos podemos considerarlo arte?, ¿todos los estilos se pueden calificar así?.

Vitrubio aconsejaba en sus tratados de arquitectura, que para llegar a ser un buen arquitecto tenia que tener una serie de conocimientos, entre ellos el arquitecto tenia que conocer la música.

Por un lado, están los grandes músicos que llevan toda su vida trabajando, y consiguen grandes obras de arte, como puede ser Paco de Lucía, pero que podemos opinar de Camarón, nunca recibió ningun tipo de educación musical, sin embargo, tiene una voz única, a quien no le entran ganas de llorar cuando escuchan "tiritando de frio", donde expresa que no quiere morir, eso es arte, nos produce sentimientos, por ello, ¿que sentimiento produce una canción de reggeton?

Definitivamente, pienso que no todo lo que escuchamos es arte.

Arte naif, ¿arte infantil?

El arte naif es una corriente que aparece en época contemporanea, por parte de un grupo de pintores, mas caracterizados por ser aficionados, por el hecho de no dedicarse a la pintura como actividad principal.Fueron creadores autodidactas, y no recibieron formación, como es el caso del pintor naif Rousseau, el cual comenzó su actividad cuando tenia 40 años.

Al igual que el grupo Dadá, se caracterizan por no seguir unos modelos, ni sistemas, huyen de lo creado hasta el momento, ¿es por ello que no podemos comparar una obra naif con una obra flamenca de principios del renacimiento?¿Cuál es más valiosa?

Debido a su falta de perspectivas, su gran intento de definir contornos, y su intenso colorido, muchos piensan que es una pintura infantil, carente de sentido, y no considerado arte.

¿Pero por que se considera arte? ¿Es necesario tener unos modelos para crear una obra?

Es en la época contemporanea cuando aparecen estos movimientos,el cubismo, el dadá, el fauvismo, que rompe totalmente con lo que se estaba realizando anteriormente. Algunas obras del pasado podian acercarse vagamente alguna caracteristica de estos movimientos, pero nunca rompiendo con lo que se estaba realizado en su tiempo.

Con el arte astracto se llega al extremo de la duda, con cuadros como los de Pollock o Kooning, donde se representan lineas sobre fondo blanco, o simplemente el lienzo bañado de un color.

¿Se puede considerar arte?, y si se considera arte, ¿por que el graffiti no?

Conservemos nuestro patrimonio.

Como principal monumento represéntate de nuestro pueblo, La Colegiata, fundada en el año 1535 por D. Juan Téllez Girón, IV Conde de Ureña, es uno de los conjuntos monumentales más magníficos del Arte Andaluz, hecho que no tenemos muy en cuenta los ursaonenses, debido a las continuas aberraciones que sufre exteriormente.

Estos días podemos observar como esta siendo arreglada, y ha sido cerrado su paso, hecho que impide a turistas observar las hermosas vistas que pueden disfrutarse desde ella.

El exterior del templo se caracteriza por su escasez decorativa, pero no por ello necesita ser decorado con horrorosas firmas realizadas con material de graffiteros, que se aleja bastante de lo que podría ser un graffiti, ¿en que piensan las personas que han firmado en las paredes de este templo de alto valor histórico y artístico?, ¿pensaban hacer una obra de arte comparable?, Pienso que estas acciones son realizadas de una manera irrazonada por personas que carecen de información cultural.

Los turistas que visitan este monumento, se quejan continuamente de la cantidad de suciedad que recoge, sobre todo de materiales cortantes como el cristal, y es que utilizamos un monumento de 472 años como lugar de botellonas.

Estos días ha sido mejorado el acceso que se realizaba por las escaleras desde la explanada, y se ha provisto el suelo de piedras, para mayor comodidad para los transeúntes, ya que la anterior calzada había desaparecido, y era de arena. También se ha eliminado toda la vegetación poco decorosa, y se han plantado pequeños árboles para reanimar la zona.

Tras estas medidas realizadas, los ursaonenses debemos darnos cuenta del valor patrimonial que tenemos, es nuestro pasado, no hay que olvidarlo ni dañarlo.

(Publicado http://elpespunte.blogspot.com/)